Fragen von Rhythmus und Geschwindigkeit interessieren mich schon längere Zeit. In Berlin, wo ich 1997 einigen Monate im Rahmen eines Kunststipendiums lebte und arbeitete, fiel mir besonders die Schnelllebigkeit auf. Die Stadt hat ein hohes Tempo, sie ist sehr lebendig, verändert sich täglich. Die Kunstszene ist unheimlich dynamisch.

Die Zeit in Berlin war mir Anlass, mich systematisch mit den Auswirkungen der Schnelllebigkeit auf die Kunst auseinanderzusetzen. Ich las Texte zeitgenössischer DenkerInnen und diskutierte mit FreundInnen und Bekannten über das Phänomen. Weiter entschied ich mich dann, Interviews zu dieser Thematik zu führen. Ich fragte fünf Personen an, deren Arbeit und Meinung ich spannend finde und die unterschiedliche Positionen in der Kunst und zur Kunst einnehmen: Helen Adkins (Gründerin und künstlerische Leiterin der museumsakademie berlin), Boris Groys (Philosoph und Kunsttheoretiker, Professor für Kunstwissenschaft am ZKM, Zentrum für Kommunikation und Medien in Karlsruhe), Barbara Anna Hubig (Schriftstellerin, Lehrbeauftragte der Universität Berlin), Tadashi Kawamata (Künstler, Japan) und Annette Schindler (Leiterin des Swiss Institute in New York).

Für jede Person stellte ich einen spezifischen Fragenkatalog zusammen. Inhalte, die ich bei allen zur Sprache brachte – immer im Kontext zur Schnelllebigkeit – waren Kunst und Alltag, Kunst und Öffentlichkeit, Kunst und Elite, Kunst und Kommunikation, Kunst und neue Medien sowie Kunst und Nähe/Distanz.
Die Interviews führte ich zwischen Mai 1998 und September 1998. Ich fuhr dafür an den Arbeits-/Wohnort der angefragten Personen.

Die Gespräche habe ich gekürzt, sie auf die Aspekte konzentriert, die ich im Zusammenhang mit meinen Fragen aufschlussreich finde.
Die redigierten Texte habe ich den interviewten Personen zum Gegenlesen geschickt. Sie sind mit der Veröffentlichung in der vorliegenden Form einverstanden.

Interview mit Helen Adkins
Helen Adkins ist Gründerin und künstlerische Leiterin der museumsakademie berlin. Neben Ausstellungsort wird die museumsakademie berlin auch Ausbildungsstätte für zukünftige AusstellungsmacherInnen sein.

Frau Adkins, Sie zeigen an der museumsakademie seit 1996 zeitgenössische Kunst. Den Betrieb als Ausbildungsstätte wünschten Sie 1999 aufzunehmen. Welches sind Ihre Ziele für diesen "Ort der kritischen Auseinandersetzung"?

Das sind hochgesteckte Ziele. Ich habe mir etwas ausgedacht, von dem ich denke, dass es in Berlin und auch insgesamt in Deutschland fehlt.
Ich komme selbst aus der klassischen Moderne. Ich habe 10 Jahre lang als Kuratorin in grossen Museen freiberuflich gearbeitet, für riesige Ausstellungsprojekte, zuletzt Berlin-Moskau beispielsweise. Und ich habe mir durch die Auseinandersetzung mit diesen sehr grossen Ausstellungen Gedanken dazu gemacht, machen müssen, was es eigentlich bedeutet, Kunst der Öffentlichkeit zu zeigen.
Ich habe dann mehr oder weniger den Beruf gewechselt. Ich arbeite nicht mehr mit der klassischen Moderne, sondern mit der zeitgenössischen Kunst. Der Grund war, dass ich etwas mit Kunst zu tun haben wollte und nicht mehr ausschliesslich mit Politik.
Ich wollte mich irgendwie mit dem Schaffensprozess auseinandersetzen und das geht natürlich nur mit lebenden Künstlern. Die Suche nach dem Weg der Kunst, der ja im Moment sehr offen ist, interessiert mich. Es gibt nichts, von dem man sagen kann, das habe ich jetzt, sondern die Kunst ist in der Krise. Wenn ich hier eine Galerie eröffne, die versucht, die verschiedenen Wege von jungen Künstlern heute aufzuzeichnen, dann ist das eine gute Ergänzung für Menschen, die unter einem andern Aspekt in die Kunstwelt einsteigen möchten, die als Ausstellungsmacher einen Weg suchen. Ich denke, es stellen sich genau so viele Fragen in der Produktion der Kunst wie in der Form, die Kunst zu zeigen. In der kritischen Auseinandersetzung zwischen diesen beiden Ebenen kann viel passieren.
Die Situation in Berlin ist irrsinnig zugespitzt. Es gibt eine Unmenge von jungen Künstlern, von Galeristen, von dynamischen Menschen, die jetzt irgend etwas in der Kunst bewegen wollen. Aber ich meine, dass sie sich oft wenig Gedanken darüber gemacht haben, was sie eigentlich bewirken könnten oder was die Kunst überhaupt bewirkt. Wieso es die Notwendigkeit von Kunst gibt und wieso diese Vielfältigkeit von Kunst jetzt so schwer zu präsentieren ist.
Ich habe 10 Jahre lang Erfahrungen gemacht durch diese riesigen Präsentationen, die mich dazu geführt haben, hauptsächlich sehr viele Fragen zu stellen. Es sind Fragen, die sich viele Menschen im Museum nicht stellen, obwohl sie damit konfrontiert sind. Sie haben keine Zeit. Sie sind eben administrativ gebunden, sie müssen sich um ihren Schreibtisch kümmern, ich bin jetzt ein bisschen bösartig. Aber die können sich nicht zurückziehen, um zu überlegen, was sie da eigentlich machen.

Das Nachdenken würde zu den individuellen Standpunkten führen, deren Wert sie in ihren Informationen betonen. Es gibt aber neben den individuellen Standpunkten auch in der Kunst Strömungen, Zeitthemen, Trends.

Es gibt Trends, ja sicherlich. Ich spreche verstärkt immer von Berlin. Das ist meine Umgebung. Die museumsakademie ist hier im ehemals jüdischen Viertel und heute ist hier jeder zweite Laden eine Galerie oder zeigt in irgend einer Form eine Ausstellung. Der Trend hier scheint mir zu sein, dass Kunst weg von den Objekten geht, Richtung Internet und damit global wird. Diese Kunst bedarf natürlich auch einer ganz anderen Struktur. Die klassische Struktur von Atelier, Galerie und Sammler, die funktioniert überhaupt nicht mehr. Das Atelier ist ein Büro oder ein Mediencenter. Für viele Galerien ist es sehr schwer, dann mit solcher Kunst zu handeln. Es gibt auch ein völlig anderes Sammlerpublikum.
Öffentliche Finanzierung gibt es nicht. Private Finanzierung ist in Berlin auch sehr schwierig. Sponsoren können oft Materialien, aber meist kein Geld geben.
Da wird also eine Party gemacht. Das ist absolut üblich. Es ist eher unüblich, wenn man keine Party macht. Dazu gehören zwei DJ’s, die in der Stadt bekannt sind und dann wird diese Kunst gesehen oder nicht gesehen, in einer Club-Atmosphäre, wo die Besucherzahl irrsinnig wichtig ist. Also bei der Eröffnung kostet es Eintritt und man kann Getränke konsumieren. Und nachher brüstet man sich, dass 2'000 Leute da waren. Die Kunst läuft nebenbei und wird oft so im Hintergrund oder als Dekoration letztendlich benutzt und ich finde es witzig, weil ich glaube, dass diese Künstler eigentlich der Meinung sind, dass Kunst als Dekoration nicht richtig ist, aber letztendlich machen sie genau das. Kunst ist ein Dekor, sie gibt eine Ambiance, ein Ambiente für eine Club-Situation. Es ist gleichzeitig die Vermischung von Trash, Kitsch und Kunst. Diesen Trend sehe ich hier sehr stark.

In Ihrem Text steht weiter: "Es ist zum Beispiel fraglich, ob die momentanen Konzepte zur Vermittlung von Kunst am Ende dieses Jahrhunderts den künstlerischen Intensionen noch angemessen sind."

Es geht jetzt nicht mehr darum, den Begriff Kunst in Frage zu stellen. Es geht auch nicht mehr darum, zu schockieren, sondern es geht darum, glaube ich, so nahe am Leben wie möglich zu sein und das ist vielleicht etwas Neues. Also den Kunstbetrieb grundsätzlich zu hinterfragen, z.B. dass eine Kunstzeitschrift jetzt auch von einem Künstler gestaltet wird und der ist nicht Gestalter, sondern er ist als Künstler dabei, das zu machen. Die Künstler gehen mehr und mehr in die Stadt raus, in den öffentlichen Raum, ohne Kunst am Bau zu machen, sondern vielmehr arbeiten sie draussen, in den Himmel, in die Tiefe, in alle möglichen Richtungen. Also die Räumlichkeiten ändern sich total und weiten sich, dehnen sich unglaublich aus. Ein Büro kann ein interessanter Kunstraum werden. Und man kann diese Sachen nicht mehr ins Museum einsperren. Die gehören da überhaupt nicht mehr hin.

Die heutige Kunst deckt sich mit unseren Alltagsbildern?

Ja, aber es sollte ein reflektierter Umgang mit dem Alltag sein. Das ist eine sehr komplizierte Frage, denn wenn sie nur Abbild wäre, dann ist es keine Kunst, dann fehlt eine Distanz.
Um Kunst daraus zu machen, muss eine gewisse Distanz da sein. Eine gedankliche oder eine räumliche. Eine Aufmerksamkeit auf irgend etwas zu richten, was im Alltag immer da ist, was aber in diesem Alltag völlig unwichtig ist. Immer leicht versetzt. Es muss versetzt sein, auf alle Fälle. Wenn es nur ein Abbild ist, ist es nicht von Interesse. Aber es gibt viele Künstler, die das nicht schaffen. Die eben nur das Abbild zeigen und manche Leute finden das irrsinnig spannend, weil das ein Abbild ist, auf das sie ihr Augenmerk noch nicht gerichtet hatten. Aber das reicht noch nicht für die Kunst.

Wie sieht ihr Konzept aus, die heutige Kunst zu vermitteln?

Ich habe nicht viele Antworten. Ich stelle viele Fragen und das ist vielleicht auch die Idee hier: Die museumsakademie als Diskussionsort. Wenn man diese Fragen untereinander stellt, dann erhoffe ich mir etwas davon. Also, ich will nicht belehren und sagen, ich habe das jetzt alles verstanden, überhaupt nicht.
Die Konzepte, die es heute gibt, sind völlig traditionell. Konzepte von Ausstellungen in Palästen, Kunstmessen, usw. halte ich für absolut überholt. Ich rede trotzdem oft vom Museum, weil selbst heute ist die Anerkennung durch ein Museum für die Künstler noch sehr wichtig, das heisst, man ist professionell geworden, man hat den Durchbruch geschafft. Ich denke, dass die Museen sich überlegen sollten, in Städten wie Berlin an ganz verschiedenen Orten Kunstplätze zu haben.
Das heisst weiter, dass man statt bei der documenta Internet-Zentren zu installieren, einfach nur die www-Adresse angibt und das während der 100 Tage der documenta. Das ist dann tatsächlich virtuell. Ich fand es einen Widerspruch, einen Raum mit zwei Monitoren pro Künstler einzurichten. Das ist wie eine Ausstellung von Objekten letztendlich. Das ist konzentriert auf diesen Ort und das Internet ist das Gegenteil davon.
Ebenfalls wichtig finde ich, dass Künstler, die eigeninitiativ etwas aufgreifen und einen Raum finden, um Arbeiten zu realisieren, öffentlich mehr unterstützt werden sollten.

Bleiben wir noch bei der Finanzierung: Häufig sind das ja sehr kurzlebige Aktionen, die gar nicht aufbewahrt werden können.

Die Kurzlebigkeit gehört dazu. Aber auch diese Arbeiten sind mit der Realität verbunden, die Räume kosten eine gewisse Miete usw. Man kann nicht täglich eine Party machen, sondern nur am Wochenende. Die Künstler versuchen etwas zu erhalten über diese ganze Kurzfristigkeit hinaus. Das wird mit verhältnismässig herkömmlichen Mitteln gemacht, mit Video oder Fotos der Installation oder von der Party, oder Tonaufnahmen von der Stimmung.
Das sind so klägliche Versuche letztendlich, dann doch noch eine Erinnerung zu haben, auch eine Erinnerung, die man vermitteln kann, dass man sagen kann, das habe ich gemacht, auch damit man eine Kontinuität der Arbeit aufzeigen kann.
Wie man das Problem überwindet, weiss ich auch nicht. Man geht davon aus, dass etwas erhalten bleiben muss. Nur damit kann ich belegen, dass ich das gemacht habe, nur damit kann ich meinen Werdegang zeigen. Das ist eine ganz traditionelle Haltung, die aus dem 18. Jahrhundert stammt, eigentlich eine museale Sammelhaltung, Sammeln und Aufbewahren. Es gibt manche Künstler, die ganz dezidiert sagen, das habe ich jetzt mit Filzstift gemacht und in einem Jahr ist es weg. Oder die haben irgend etwas in Plastik gegossen und das löst sich auf oder es wird von Viechern aufgegessen.
Vielleicht ist die heutige Welt so, dass man von diesem Sammlerdasein wegkommen muss. Dass man das loslassen muss, dass alles nur noch Gedanke wird.

Was wird dann trotzdem von dieser Zeit bleiben, von dem, was heute in der Kunst passiert?

Vielleicht geht es eben nicht mehr darum, dass da etwas übrig bleibt. Vielleicht wird ein Buch darüber geschrieben, vielleicht kann man im Internet darüber lesen. Vielleicht verschwindet tatsächlich viel und nur ein Fragment bleibt übrig, ein kümmerliches Restobjekt. Wir scheinen diese Objekte zu gebrauchen.
Es klingt komisch, aber möglicherweise ist es ähnlich wie der Vergleich eines wunderschönen Menüs, eines Tellers mit sehr leckerem Essen darauf und auf der andern Seite die Möglichkeit, 10 Vitaminpillen zu nehmen. Also da ist der Genuss, das Essen und da ist die Notwendigkeit, sich zu ernähren.

Ja und was geschieht mit der Sinnlichkeit? Mit den Sinnen?

Ja, ausgerechnet bei den Künsten. Ja, das ist interessant.